在鬼门关前被抢救回来后，吴亚鸿这两年的画风一百八十度大转变。1960年代末至今，吴亚鸿创作了不少水墨画作品，精湛的画工，甚至被视为马来西亚水墨画的代表。但是，2015年身体康复以后，他却投入油画和水彩画并大量创作。
2012年11月30日凌晨，吴亚鸿因心肌衰竭而被紧急送院。“当时情况相当严重，我的两条血管被挤压成‘V’字型，7天里面动了两次手术。我在过去没有住医院的经验，这对我来说是人生的一门功课。”手术后的5个月，他的体重从72公斤掉到58公斤，“那时医生说如果（体重）继续下降，可能会有‘状况’，还好后来慢慢有改善。”
手术后几个月，有杂志记者闻讯采访他，问他在手术的紧要关头时看到什么东西。他主动提起这段往事，“其实我什么都没有看到，可是我感觉到人生莫名的幸福感。从施打麻醉药到我苏醒过来，整个过程我舒服不得了，我看到一望无际的白，没有天与地，我感觉有一个人一直抚摸我的左手，那种柔软的触感我无法用语言形容，（那是）在我过往的经验中不曾存在过的柔软，好舒服！”
手术后的修养期间，他还没恢复元气，那时连画一张小小的作品也足以让他气喘如牛，“当我回来（手术后）的时候，真心觉得自己最好不要有事情，我连洗澡也无法一气呵成，洗完头发后要休息一下才能冲凉，而且穿裤子都要使用钩子…”
开启油画路
直至2015年，医生宣布他可以像普通人一样工作，吴亚鸿重新提起画笔，却是拼了命地创作油画。整整一年，他放任自己只画油画，并画了97幅作品，“我感觉自己好像还有一件事情没有做，莫名有一股冲动买了一些小画纸，一天画一小张，之后越画越大，后来竟然在一年里面画了6年的作品（份量）。”他表示，这种转变实是意料之外。“2014年，我的60岁回顾展以展出水墨画为主，没几幅油画。我在1962年到1972年的时候虽然爱上油画，但是大半生以来油画作品并不多，似乎说是一片空白。偶尔在课堂上有示范给学生看，但那根本不算一个创作。”
大病一场，使他更珍惜画画的时间，更因由衷热爱绘画，发生了一个小插曲：“复诊时有些小状况，（医生发现我）心跳特别快。医生调查我的饮食，一直找不到原因，后来才发现是画画的关系。我在画画时，手动得快，而且很急，我脑中的意象很快，我的手要跟上。”
白莲系列：凭画寄意 思念亡母
吴亚鸿的作画题材也是前所未有的，荷花之作为其一。“我母亲生前很喜欢白莲，她在两年前离世了。在众多兄弟姐妹中，我的样貌最像妈妈。那时在画这幅油画时，想要画几张给妈妈，怎知道一开始动笔就无法停下来，每天进到办公室连电话都不接，就是不停地画。”
他的办公室里堆放了多幅莲系列。虽然是油画，却带出水墨画的意境，而且有很强的刀力度。他说：“开始时有具象的荷花出现，后来具象慢慢消失了，我知道那是一朵花，但是花好像在飞舞，花瓣在跳动，我好像看到灵光，每张图好像是我在跟妈妈对话，我越画越欣喜。”
他在画画时不断与自己对话。“我向自己提出一个问题：花香是因为花蕊还是花瓣的颜色？并不是。花茎、叶子甚至根本到泥土，造就了花香，那我们为什么只注重在花朵上，而忽略了它四周的大美呢？”
他以大面积的绿色，代表了只要有阳光雨露，就能造就所有的东西；只要有日月星辰，万物都可以存活。有些作品当中，透出洁白无瑕的光。来到60耳顺之年，吴亚鸿的作品也表现出了他对人生的感悟。
吴亚鸿说：“这一系列的荷花我要献给妈妈，这是为她而作的，我在1992年开画展时没有请大人物开幕，只邀请了妈妈。她患有青光眼，看不清我的作品，我带著她浏览一张张的作品，跟她解释这张在画什么，一边讲一边掉眼泪…”此时他边说著也哽咽起来。
“妈妈已经三十多年没有接触光了，只是听我讲话，我每个礼拜回家看她，我最爱摸她的头，她指甲都是我剪的。本来她不答应让我剪脚甲，说男孩子不可以摸女生的脚，我就说我是你生的，来回剪了三两次以后，有一回我回家吃饭，她抬起脚要求我剪脚甲。”
面对自己 随心所欲
他望向眼前的画作，“我画不回第二张了，每次我下笔想要找回那些感觉，可是往下画又不一样了。”吴亚鸿是个真性情的艺术家，他在过去三四十年间积极创作水墨画，也清楚知道自己应该继续为马来西亚的水墨画做出更多的贡献，然而他也诚实面对现阶段只想创作油画的自己。
为什么想画油画呢？“那是莫名说不出缘由的，我没有办法回答你，这时候我肚子饿，想要吃一点东西，等下口渴了要喝水，就是如此简单。我不会因为食物很好，就只吃食物不喝水。那个时候需要我做什么，我就做什么。那个时候做什么我心里会感觉很踏实，我就去做。”
蚂蚁系列：小小黑点力量大
吴亚鸿是艺坛奇数，小时候家境清寒，使他无法进入正规的美术学院学习。但他很早就展露出绘画天分，艺坛名家庄金秀几次在学校布告栏上看到吴亚鸿的作品，大为赞赏，收他为徒传授他扎实的绘画基础。
吴亚鸿以蚂蚁作品闯出名堂。他的“第一只蚂蚁”出现在1979年，当时他在画窗外，画中一只麻雀栖息在竹帘的绳子上，好像在观望什么，“我在想那个对象是什么，如果对象太大，会变成焦点，我要它若隐若现，又要透过它影射社会课题，是不是窗帘底下什么事情都可以发生，最后我把一只蚂蚁点了上去。”
那一年的蚂蚁，仅是画面需要的一个小点而已。直到有一次，他在老家观察风雨欲来时，狂风把窗门吹得砰砰声响，他看到一群蚂蚁仍然继续往上爬，“我在想那么强大的风，吹动了一扇窗，却吹不走小小一只的蚂蚁。所以说，蚂蚁在窗口上抓得很牢，它不想放开，即使是强风也拿它没办法。”自那次的发现之后，他开始以蚂蚁为创作题材，刚开始只不过在平面的宣纸上画一只小蚂蚁，然后进阶式地在凹凸、撕裂的纸上爬行，再到与甲骨文对话。一个小生命，延续下去就是一个希望。
空间与时间结合
他说，第一次在抓皱的纸张上画蚁，也是莫名的。“有一天，我从挂在办公室的一张蚂蚁图上看到好像少了几只蚂蚁，就把画拆下来补上几笔。这样来来回回好几次，却不小心把画摔在地上，尖锐的玻璃划破了画纸。”他哗然，心想要重画不容易，而且宣纸一旦起皱就很难摊平。“那时候我很懊恼，心想何必当初。正当纳闷时，忽然想到意大利画家封塔纳（Fontana），他是第一个在画布上划一刀的伟大空间艺术家，他提出画画不是平面的。我在想，如果让水墨画的宣纸与封塔纳对话，可能我的作品会有不一样的火花。”
他毅然将被玻璃划破的画纸破开，“纸张的凹凸产生一种力量，蚂蚁爬在上面，教人感觉路途很坎坷，我索性将画纸抓皱按平。重新将画表好挂起，早上与下午看竟然不一样了。由于多了光线的变化，空间艺术与时间艺术就混合一起。”
后来那幅作品被一位拿督收藏了，之后又辗转流入澳洲收藏家手中。这么多年过去了，吴亚鸿还是对那幅作品念念不忘。多年前他到澳洲探望女儿，希望把那幅作品找回来，可是多番打听下，那幅蚁画迄今仍下落不明，成为他心里的一桩憾事。
至于对想尝试画回那种感觉的问题，他摇摇头说：“我们的悲哀没有同样的悲哀，我们的快乐也没有同样的快乐，所以作品也不可能和以前一样，除非拿去影印。复制，是一种表演艺术，做给人家看而已。”
因为独一无二，才弥足珍贵。“就如我创作了一个卖得好的作品，然后不断重复画那个作品，尽管有少许不一样，但一直重复，就如同不忠于艺术、也不忠于自己，因为我永远不可能回到创作当下的状态，那为什么还要追求这个？”
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